• Receita de Liberdade

    Como toda receita que se preze, não poderia deixar de lado esse toque: vai deixando seu forno das emoções pré-aquecido em 200 graus célsius, pois sem a temperatura adequada, é muito possível que a receita desande no final.


    Faz dez anos que recebo tratamento médico para uma doença terminal. O engraçado dessa situação é que quando recebi o diagnóstico, duas coisas foram informadas: a primeira, que a doença é raríssima, acometendo um em cada um bilhão de pessoas no planeta, é meio que uma loteria, que ganhei sozinho. Segunda, iria morrer em seis meses, mas já se passaram dez longos anos. Não é nada bom saber que vou morrer, mas todos que estão vivos também vão, então qual o problema? O problema, é que sou eu, e não os outros.

    Nos dez anos que faço tratamento, a cada quinze dias tenho que ser internado para umas avaliações médicas e tomar uma grande quantidade de medicamentos que não curam a doença, mas servem de controle paliativo para que ela não me mate mais rápido. Me pergunto se não seria bom já ter terminado com isso. Porém, o tempo vai se passado e sigo vivo, levando minha vida, um dia de cada vez.


    Ah! Quanto a essa receita de liberdade, ela não é minha, nem minha doença tem muito a ver com ela. Aliás, minto, até tem a haver um pouco, pois foi em uma das minhas internações, que conheci o Nelson, pessoa que me deu a receita, mas que também não é dele. Achei tão interessante que quero compartilhar.


    Assim que vi aquele negro, de uns dois metros de altura, deitado em uma cama do hospital, ao lado da minha, fui tomado de curiosidade para saber qual o motivo dele estar ali. Fiquei a pensar se ele, assim como eu, seria um ganhador da loteria de doenças terminais, mas logo vi que não, assim que ele contou, de uma vez só, toda sua biografia de vida e o motivo que o levara àquele lugar e àquela internação.


    Nelson contou-me que cresceu na mais extrema pobreza, passou por todo tipo de privações. Era um dos seis filhos de um casal de moradores da favela “Fundo do Poço”. O pai, era alcoólatra, batia na mãe, abusava da filha menor de idade. Sua mãe era catadora de material reciclável e tinha que trabalhar de sol a sol, todos os dias, para conseguir comprar alguma coisa para os filhos comer e para sustentar o vício do marido. Nelson fugiu de casa aos quatorze anos e nunca mais teve contato com nenhum deles. Sua vida mudou um pouco quando conheceu o projeto “Drive do Amanhã”, que ensina jovens, em situação de rua, a ler, escrever e dirigir, para que tenham a profissão de motorista. Apenas os que tinham boas notas, boa aparência e bons antecedentes criminais, conseguiam, ao final do curso, um emprego em casa de Madame.


    Ele falou que nunca entendeu bem os porquês de tanta exigência para ser motorista (chofer), mas por algum motivo ele conseguiu atender todos os requisitos. Graças a isso, ele conheceu Tânia, o amor da sua vida, para sempre. Tânia é fundamental na citada receita. Mas, calma, ainda preciso concluir a história sobre Nelson.


    Em seu primeiro dia de trabalho como motorista, recebeu dois ternos pretos, duas meias pretas, um par de sapatos pretos, um número menor que o tamanho dos seus pés. Ele avisou a patroa sobre o tamanho dos sapatos, mas ela disse: -Vocês pobres reclamam de tudo, por isso não conseguem trabalhar! Então, ele não reclamou mais. Quando foi contratado tinha vinte e quatro anos, agora está com quarenta. Passou todos esses anos trabalhando, sempre com um sapato menor que os pés.


    Já Tânia, segundo Nelson, aos dezenove anos de idade, tinha a beleza de uma lua cheia primaveril. Era, certamente, musa para qualquer verso que fale de amor, inspiração de lindas canções e belíssimas peças de teatro. Moça de classe abastada, tinha tudo aos seus pés, inclusive, a liberdade de ir e vir para onde lhe dava na telha, mas não tinha amor.

    O coração de Tania nunca leu “História de Amor no Ocidente”, de Denis de Rougemont. Não sabia o quanto ao longo dos séculos vão adestrando as pessoas para que o amor seja sofrível, trágico, doloroso. Avessa a tudo isso, e aos papéis sociais que nossa sociedade impõe, ela trocou olhares com Nelson, e antes que alguém julgasse certo ou errado, a menina rica estava amando o homem negro, pobre e mais velho que ela, o que a sociedade burguesa vê como um crime gravíssimo, que não merece perdão.
    Sabe, na alma não existem regras sociais, parece que ali tudo é permitido, e a alma de Nelson soube o que era o amor assim que olhou no olhar daquela linda menina, filha da madame, sem se importar com nada. Ele me confessou que não lembra de onde partiu o convite, nem como tudo foi combinado entres eles, mas que do nada, os dois estavam na praia. Chegaram lá antes do nascer do sol no horizonte e só saíram no entardecer. Não houve abraço, nem beijo entre eles. Passaram todo o dia a se olhar e conversar coisas que ele não lembrava bem. Acho que estava em transe de tanto amor. Há apenas uma fala que ele recorda, quando o sol ia se pôr, ela falou como quem canta um mantra: -Vê o sol caindo no horizonte? É tão belo que faz a gente entender toda a liberdade que a vida oferece. Então, ele pediu para ela explicar para ele o que é liberdade. Daí ela disse: -É uma receita simples, basta calçar sapatos que deixem os pés confortáveis, bem à vontade para podermos ir e vir para onde quisermos. É poder sair dando passos firmes, nos sentindo livres, leves, soltos e donos de nós. Então ele lembrou que, no trabalhava, há anos que caminha com os pés doendo, devido aos sapatos que os apertavam. Assim sendo, ele não tinha como saber o que era aquela liberdade que ela falava.


    Depois desse único encontro, ele passou quinze dias sem saber notícias sobre ela. Chegou a pensar que ela estava andando livre em outros contos, com seus sapatos confortáveis, não tendo tempo para ele. Até que o porteiro do condomínio onde ele trabalhava o encontrou e falou que ocorreu uma tragédia. Um carro, dentro do condomínio, atropelou e matou a dona Tânia de Morais e Melo. Ao ouvir aquilo, ele sentiu uma dor que é incapaz de descrever. Foi para casa e passou o dia e a noite bebendo muito. Em um determinado momento de alucinações e dores, pegou uma máquina de serra, cortou todos os dedos dos pés e calçou os sapatos, mas não experimentou a liberdade. Acordou no hospital e agora está desabafando comigo.


    Hoje, segunda-feira de 2040, continuo vivo, mas nunca mais soube nada do Nelson. Enquanto relato essa receita de liberdade, não me sai da cabeça a frase de uma música da banda Legião Urbana, L’Aventura: “Quando não há compaixão/ Ou mesmo um gesto de ajuda /O que pensar da vida/ E daqueles que sabemos que amamos?”


  • Druk: Mais uma rodada – Uma análise sobre vício, moderação e hipocrisia

    Quem já perdeu alguém para o alcoolismo sabe o quanto isso afeta nosso emocional, pois ficamos imaginando o que poderíamos ter feito de diferente para salvar àquela pessoa querida e ela permanecesse entre nós. Isso é algo muito complexo, uma vez que chegamos até a nos questionar se temos ou não alguma culpa por não ter alertado a pessoa ou algo do tipo. Porém, temos que levar em conta que o dependente de álcool ou outras drogas, sejam lícitas ou ilícitas, é portador de uma doença, hoje tratada pelo nome de adicção, que tem difícil diagnóstico e tratamento, e quando alguém perto da gente está com ela, acaba envolvendo todos ao entorno e nos adoecendo junto.

    E, sim, esse degustador de filmes, séries e tudo que o audiovisual produz, já perdeu pessoas amadas para o vício em álcool. Pessoas que foram embora do meu convívio de forma tão precoce e estúpida, por não saberem a hora de parar de beber e, o que em primeiro momento era uma diversão, tornou-se o motivo principal que lhes ceifou a vida, bem mais precioso que temos.

    Não é meu objetivo aqui ditar regras, ser contra ou a favor do consumo de quaisquer substâncias, quero apenas que ao fim da resenha possamos refletir um pouco sobre determinadas coisas que podem levar alguém ao precipício. Tenho plena consciência que não existe, ou tenha existido, sociedade humana sem uso de entorpecentes, para os mais variados fins, mas o que devemos nos perguntar é quando o uso passa a ser um perigo para nossa saúde e quando no lugar de sermos usuários estamos na verdade sendo usados pela substância, ou seja, somos por ela manipulados e viramos escravos.

    Parafraseando Raul Seixa: “Faz o que tu queres, pois é tudo da lei, mas com um pouco de cuidado, não é nada demais para ti e os teus”.

    O filme que quero apresentar hoje é “Druk”, aclamado longa metragem dinamarquês, que nos convida a uma profunda reflexão sobre os limites da felicidade e os perigos do vício. Através de uma trama envolvente e personagens complexos, o longa explora a ideia de que um pouco de álcool pode turbinar a criatividade e a vida social, mas que a linha entre a moderação e a dependência é tênue. O enredo acontece com um grupo de professores que decidem testar uma teoria sobre o consumo moderado de álcool, como forma de aumentar a felicidade e a produtividade. Inicialmente, os resultados parecem promissores, mas logo a situação escapa do controle e as consequências do vício começam a se manifestar.

    “Druk” não romantiza o consumo de álcool, mas também não o demoniza. O filme apresenta uma visão realista e complexa sobre o tema, mostrando como o vício pode afetar diferentes aspectos da vida de uma pessoa, desde as relações pessoais até a carreira profissional. Um dos pontos mais interessantes de “Druk” é a forma como aborda a questão da hipocrisia. Os personagens, que inicialmente se veem como liberais e modernos, acabam se revelando tão vulneráveis ao vício quanto qualquer outra pessoa. O filme nos convida a questionar nossos próprios comportamentos e a reconhecer que todos somos suscetíveis a cair em tentações.

    A direção de Thomas Vinterberg é impecável, com cenas memoráveis e uma fotografia que intensifica a atmosfera de tensão e euforia. As atuações são geniais, com destaque para Mads Mikkelsen, que interpreta o protagonista com uma intensidade que nos prende do início ao fim.

    Em suma, Druk é um filme essencial para quem busca uma reflexão sobre os desafios da vida moderna e a importância de encontrar um equilíbrio entre prazer e responsabilidade, nos convidando a questionar nossos próprios limites e a buscar uma vida mais autêntica e significativa, tendo como pontos fortes o roteiro inteligente e bem construído, a direção impecável, atuações de alto nível, abordagem realista e complexa da temática, reflexão sobre a hipocrisia e a busca por felicidade. Os únicos pontos fracos que percebi foram alguns momentos previsíveis e o final um pouco abrupto.

    Concluo dizendo que “Druk” é um filme que vai te fazer pensar e te emocionar. Se você busca um longa que vá além do entretenimento e provoque reflexão sobre a vida, não deixe de o assistir. Para quem gosta de filmes dramáticos com uma pitada de comédia e uma reflexão profunda sobre a condição humana, este é o filme que indico.


  • Besouro: Cordão de Ouro – Uma jornada pela luta negra no Brasil

    Era 29 de outubro do ano da graça dos meus ancestrais de 2009, para variar minha cabeça anda a mil com projetos poéticos que nem desenvolvi, e agora me pergunto o porquê? Nesse dia, à tardinha, havia me encontrado com minha amiga Rosiane de Paula, na minha livraria, em um  ‘shopping’ aqui de Natal/RN. Conversa vai e conversa vem sobre planos relacionados ao futuro e a respeito do curso de Ciências da Religião-UERN, Rosi me falou: Claudio, amanhã vai ser o lançamento nacional do Filme “Besouro Cordão de Ouro”, que conta a história de Manoel Henrique Pereira, um baiano de Santo Amaro, que ficou mais conhecido como Besouro do Mangangá, ele foi um mestre de capoeira. que no início do século XX tornou-se o maior simbolo da capoeira baiana e da luta em favor do povo Negro no Brasil.

    A descrição entusiasmada de Rosiane a respeito do filme, já despertou nesse degustador de filmes e séries a tudo mais que o audiovisual produz, um desejo enorme para assistir a estreia. Respondi “vamos ir assistir”, ela de pronto topou. Marcamos de nos encontrar no Shopping no dia seguinte, às 15 horas, antes do início da sessão. Rosiane não apareceu, acabei assistindo ao filme sozinho. Experiência incrível em todos os sentidos.

    O ator Ailton Carmo de forma magnífica interpreta Besouro personagem principal, que tem uma função de usar suas habilidades na arte da capoeira para proteger Mestre Alípio, que no filme é interpretado pelo ator Macalé dos Santos, sem conseguir cumprir com suas tarefas, Besouro acaba tendo sua lealdade questionada e esse fato irá desembocar em variadas ações na trama.

    O filme que retrata o século vinte no Brasil, com enfoque no povo negro e em como, mesmo após a abolição, eles continuam sendo tratado como escravizado. Aborda também como a capoeira ainda é uma prática proibida no país, uma vez que o desde 1889 a 1937, código penal da república dos Estados Unidos do Brasil. Decreto número 847, de 11 de outubro de 1890 proibia sua prática. O que só deixou de ocorrer, quando em 1934, através de um decreto expedido pelo presidente Getúlio Vargas, ela passou a ser permitida.

    Poderia, ater-me a vários aspectos do filme, como fotografia impecável, efeitos especiais carregados de magia, a beleza e plasticidade das cenas nas quais a capoeira entra, a beleza dos corpos dos atores, atrizes e suas interpretações magníficas, mas, isso vou deixar com vocês, que tenho certeza se não assistiram vão assistir, e se assistiram vão lembrar do que escrevi aqui e concordar.

    Besouro: Cordão de Ouro é um filme que transcende a mera categoria de entretenimento, transformando-se em um poderoso veículo para a reflexão sobre a luta negra no Brasil. A obra, que narra a história de Manuel dos Reis, um capoeirista que se torna um ícone da resistência contra a opressão, nos convida a mergulhar em um período histórico marcado por profundas desigualdades sociais e raciais.

    A capoeira, arte marcial de origem afro-brasileira, é central na trama e representa muito mais do que simples movimentos corporais. Ela se configura como um símbolo de resistência, identidade e ancestralidade para a comunidade negra. Ao longo do filme, acompanhamos a trajetória de Besouro, que utiliza a capoeira não apenas como forma de expressão artística, mas também como ferramenta de luta contra a injustiça e a discriminação.

    A relação entre o filme e a luta negra no Brasil é indissociável. “Besouro: Cordão de Ouro” nos mostra como a capoeira foi utilizada como um meio de preservação da cultura afro-brasileira e de afirmação da identidade negra em um contexto de constante apagamento e marginalização. A obra também denuncia as diversas formas de violência sofridas pela população negra ao longo da história, como a escravidão, o racismo institucional e a violência policial.

    Ao retratar a vida de Besouro, o filme nos apresenta um heroi popular que inspira a luta por justiça e igualdade. A figura do capoeirista, que se torna um símbolo de resistência, nos convida a refletir sobre a importância de valorizar a história e a cultura negra, e de continuar a lutar contra o racismo em todas as suas formas.

    Besouro: Cordão de Ouro é um filme que emociona, inspira e provoca. Ao assistir a essa obra, somos convidados a repensar o nosso lugar no mundo e a construir um futuro mais justo e igualitário para todos.


  • “The Emperor’s” – O Clube do Imperador: uma reflexão sobre ensino, ética e história

    O seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, traz mais uma de suas impressões sobre um filme lançado nos Estados Unidos em 2002, com o ator norte-americano Kevin Kline, que dá vida a William Hundert, um professor de História de uma renomada instituição de ensino especializada na formação de jovens da elite, o Colégio St. Benedict’s. É possível vermos a dedicação e paixão do professor em realizar o seu trabalho, ele acredita de fato que o ensino de História é uma ferramente poderosa para auxiliar na formação do caráter dos seus educandos.

    A cada começo de ano letivo, no Colégio St. Benedict’s, o professor explica os objetivos das suas aulas e pede para um dos alunos lê uma plaqueta que está posicionada numa parede da sala. Nessa plaqueta estão os grandes feitos de “Shutruk-Nahunte”. Quando o aluno termina de ler os tais feitos, o professor explana que esses grandiosos feitos só podem ser encontrados naquela plaqueta, porque ao contrário dos bustos dos grandes imperadores que rodeiam a sala, os quais seus feitos foram notáveis, os de “Shutruk-Nahunte” não, uma vez que esse não passava de um egoísta, e que realizara as coisas apenas por objetivos pessoas, sem deixar nenhum legado que pudesse ser importante para História, o colocando no ostracismo.

    A leitura da plaqueta sobre “Shutruk-Nahunte” tem muita importância no desenrolar do filme, ao fim do semestre no Colégio St. Benedict’s os três melhores alunos da disciplina de História participam de uma competição chamada “Júlio César”, organizada pelo professor de História. Nessa competição, eles vão, entre si, buscar responder  sobre a história clássica greco-romana, objetivando testar quem domina o conteúdo de História. Aquele que ganhar a competição é coroador como imperador, passa a ter sua foto em lugar de destaque na instituição. 

    Com a chegado do aluno Sedgewick Bell (Emile Hirsch), filho de um senador da república, que desde sua entrada em sala de aula se mostra indisciplinado e sem nenhum interesse no estudo da história, vai colocar em xeque a forma de ensino do professor. O professor enxerga potencial no aluno, mas não sabe como fazê-lo entender a importância do estudo para sua vida.

    Ajudado pelo professor William Hundert, que forja a nota de Sedgewick Bell,  possibilitando a ele ser um dos três que irão competir, para ver quem sairá coroado como imperador. O professor faz isso acreditando que o aluno mudou e está estudando, porém, durante a competição o professor percebe que Bell está se saindo muito bem, inclusive fica para a pergunta final, porém, o professor consegue perceber o embuste do aluno que na verdade está trapaceando, usando o desprezível recurso da cola. Hundert avisa ao diretor da instituição que irá desclassificar o estudante por isso, mas nessa hora é advertido pela direção que o pai daquele aluno o senador e um dos principais mantenedores do St. Benedict’s, e que o professor deve fazer vista grossa e seguir com a disputa.

    Anos irão se passar e o Sedgewick Bell irá propor uma revanche aos colegas sobre disputa do passado, para isso ele convida o velho professor para mediar a disputa ao reunir todos os colegas, Bell revela para eles que quer se candidatar a senador como seu pai, a competição começa e mais uma vez o professor descobre que o Bell esta trapaceando, só que agora usando um teleponto com ajuda de uma estudante universitário. O professor resolve então deixar de lado as perguntas que havia preparado e pergunta quem foi “Shutruk-Nahunte”? O ajudante de Bell não trapaça, não consegue responder, e ele é derrotado. O professor, em um outro momento, tem uma longa conversa com o ex-aluno para, mais uma vez, chamá-lo a razão sobre a importância de uma vida com retidão e ética.

    Guardadas as proporções, quem assistiu o filme Sociedade dos Poetas Mortos, e depois for assistir O Clube do Imperador, certamente enxergará alguma semelhança entres os dois. Porém, já advirto, a proposta que os dois buscam passar não é tão parecida. 

    Minhas impressões sobre o filme é que ele tece uma trama envolvente que nos convida a refletir. O Clube do Imperador” nos apresenta um microcosmo de um colégio interno de elite, onde a disciplina e a honra são pilares da educação. Ética sobre a importância do ensino de história, a paixão pela profissão docente e a complexidade da formação moral dos jovens. O professor Hundert, com sua dedicação incansável, busca transmitir aos alunos a importância dos valores romanos, como a honra e a justiça. A comparação entre a importância do estudo da história e o amor pela profissão de professor é um dos pontos mais relevantes do filme. Hundert demonstra uma paixão genuína por ensinar e acredita que a história pode ser uma ferramenta poderosa para a formação do caráter preparando-os para os desafios da vida adulta. Ao estudar os erros e acertos dos grandes líderes do passado, os alunos podem aprender a tomar decisões éticas e a construir um futuro melhor.

    No entanto, o filme também nos mostra que o conhecimento histórico por si só não é suficiente para garantir a formação de pessoas éticas. Sedgewick, apesar de inteligente e culto, demonstra uma profunda falta de caráter. Sua traição ao professor e aos colegas revela que a ética não é algo que se aprende apenas nos livros, mas que é fruto de um processo de formação mais complexa, que envolve a família, a sociedade e a própria personalidade do indivíduo.

    A ausência de ética em Sedgewick levanta a questão de até que ponto um professor pode influenciar a formação moral de seus alunos. Hundert, apesar de todos os seus esforços, não consegue mudar a natureza de Sedgewick. Isso não significa que seu trabalho seja em vão, mas sim que a educação é um processo colaborativo, que envolve a família, a escola e a sociedade como um todo.

    Em suma, “O Clube do Imperador” é um filme que nos convida a refletir sobre a importância da educação, da ética e da história, nos desafiando a pensar sobre o nosso papel na construção de um mundo mais justo e humano.


  • Ana Bolena: um símbolo da liberdade feminina na série Sexo, Sangue e Realeza

    Se vasculharmos registros do passado em busca de fontes documentais sobre as lutas das mulheres por direitos, é bem possível que encontremos pouca coisa. No entanto, isso não significa que essas lutas não existiram. Qualquer sociedade, de qualquer época, que apresenta opressão, também possui indivíduos ou grupos lutando para superá-la, e com as mulheres não é diferente. Seja na Idade Média Europeia (476 a 1453), no Brasil Colônia (1530 a 1815) ou nos Estados Unidos durante a Guerra Civil Americana (1861 a 1865), as mulheres sempre apareceram lutando por igualdade e na superação de modelos de sociedade que privilegiam os homens.

    Estudiosos do tema creditam ao contexto da Revolução Francesa (1789), ou seja, a Era do Iluminismo, o surgimento do feminismo moderno. As lutas por direitos iguais em relação aos homens, como configuradas atualmente, nasceram nesse contexto histórico. Em 1791, por exemplo, a revolucionária Olímpia de Gouges escreveu uma célebre declaração, na qual afirmava que as mulheres têm direitos naturais idênticos aos homens e, por isso, deveriam participar direta ou indiretamente da formulação das leis e da política em geral.

    Eu poderia elencar vários exemplos de mulheres lutadoras ao longo da História para reforçar meus argumentos, mas isso tornaria o texto longo e cansativo, desfocando seu propósito: apresentar uma série que retrata a história de uma mulher forte, sagaz e muito além de seu tempo. Como muitas, Ana Bolena não aceitou o papel que a sociedade, pensada e organizada por homens, buscou lhe impor. A série da Netflix “Sexo, Sangue e Realeza” demonstra como Ana Bolena desafiou as regras impostas, incluindo momentos com depoimentos de especialistas e estudiosos de sua biografia que confirmam sua força e as formas que encontrou para lutar contra essas regras.

    A série oferece uma perspectiva fascinante sobre a vida de Ana Bolena, segunda esposa do Rei Henrique VIII da Inglaterra. Através de sua história, mostra como mulheres que desafiam as normas sociais podem alcançar a liberdade e o poder. Ana era ambiciosa e inteligente, não se contentava com o papel tradicional de rainha. Ela questionava as regras da corte e defendia seus próprios valores, entrando em conflito com a sociedade patriarcal que tentava controlá-la e silenciá-la.

    Na série, Ana é retratada como uma mulher determinada que luta por seus sonhos e desejos. Ela se recusa a se submeter às expectativas da sociedade e desafia as autoridades sempre que necessário. Essa postura a leva a um destino trágico, mas também a torna um símbolo da emancipação feminina.

    A série também explora a complexa relação entre Ana e o Rei Henrique VIII. O rei era um homem poderoso e possessivo que exigia total obediência de sua esposa. No entanto, Ana não se intimidava com seus caprichos e se recusava a ceder às suas demandas. Essa resistência a tornou ainda mais desejável para o rei, mas também o levou à loucura e à tirania.

    A morte de Ana Bolena foi um evento trágico, mas sua história serve como um lembrete importante de que as mulheres não devem se submeter às normas sociais que as limitam. Ela nos ensina que é possível desafiar o status quo e lutar por uma vida livre e autônoma.

    Ao retratar Ana Bolena como uma mulher complexa e multifacetada, a série “Sexo, Sangue e Realeza” nos convida a refletir sobre os desafios que as mulheres enfrentam em uma sociedade patriarcal. A história de Ana é uma inspiração para todas as mulheres que buscam seus direitos e sua liberdade.


  • 400 contra 1: um mergulho na origem do crime organizado no Brasil

    Procurando uma metáfora em que pudesse encaixar o Estado (Nação Brasileira), eis que resolvi criar uma: o Estado é um “caranguejo” quando o assunto é resolver os problemas crônicos em áreas como: educação, saúde, segurança, moradia, infraestrutura entre outras coisas. Porque um caranguejo? Pelo fato de andar sempre de lado dos problemas, mas nunca os ataca de frente na busca por soluções definitivas. Às vezes até surgem soluções, porém como paliativo ao problema.

    É um caranguejo, também, porque as vezes aparece algum administrador das políticas do Estado envoltos na lama da corrupção. As tomadas de decisão por parte de quem rege a coisa pública parecem ser feitas sem respeitar fatores históricos, econômico e socioambientais.

    A direita e extrema-direita, quando no poder, desenvolvem políticas no setor de segurança e de enfrentamento (guerra) com extermínio das populações mais vulneráveis socialmente, bem como a política de encarceramento de amontoar corpos humanos em presídios infectos, onde no lugar de ressocializar os indivíduos o que se cria são mais bandidos que se organizam cada vez mais.

    E a esquerda, essa apesar de identificar fatores históricos relacionado as condições socioeconômicas como causadoras da criminalidade, não consegue ter uma proposta que a combata. Os verdadeiros anseios das populações estão sempre colocados de lado.

    Seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, traz, dessa vez, um filme para reflexão que abarca questões históricas, senão do nascimento, mas dos primeiros passos do que viria a ser o crime organizado em nosso país, como esse começou a crescer nas cadeias, no caso do filme, no presídio de Ilha Grande, no Rio de Janeiro, e que dali serviu de modelo para outras organizações Brasil afora.

    Hoje os noticiários de TVs e as reportagens da área policial corroboram para demonstrar que já não existe lugar nesse país sem uma, ou até várias, organização criminosas, deixando a população que vive na insegurança no sofrimento.

    Esse longa metragem foi lançado em 2010, dirigido por Caco Souza, retratando a ascensão do Comando Vermelho, facção carioca fundada na década de 70. Baseado no livro autobiográfico de William da Silva Lima, um dos fundadores da organização, o filme acompanha sua trajetória desde o presídio da Ilha Grande até a liderança do grupo. Através de flashbacks, a produção explora as motivações e os desafios enfrentados por William e seus comparsas, contextualizando o surgimento do crime organizado no Brasil em meio à repressão da ditadura militar.

    O filme serve como um ponto de partida para se entender a complexa teia da evolução do crime organizado, que se diversificou e se fortaleceu ao longo das décadas. Fatores como pobreza, desigualdade social, encarceramento em massa e corrupção são apontados como terreno fértil para o desenvolvimento de grupos criminosos. A fragilidade do sistema prisional, a falta de oportunidades para ex-presidiários e a ineficiência das políticas públicas contribuem para a perpetuação do ciclo de violência.

    “400 Contra 1″, filme que vai além da mera narrativa policial, convidando o público a refletir sobre as raízes sociais do crime e os desafios na busca por soluções eficazes, levantando questionamentos sobre o papel do Estado no combate à criminalidade e a necessidade de medidas que ataquem as causas estruturais do problema.

    A obra também convida a pensar sobre a figura do bandido, reconhecendo a complexidade de suas motivações e trajetórias. Mais do que um filme de ação, “400 Contra 1” é um convite à reflexão crítica sobre um tema crucial para a sociedade brasileira. A produção oferece subsídios para entendermos a gênese do crime organizado e os desafios na construção de um futuro mais justo e seguro para todos.

    Ao término do filme ficam os questionamentos: por que que no exato momento onde o crime organizado começa a ganhar corpo, nada foi feito para extingui-lo? Por que foi permitido que fosse ganhando mais corpo ao longo dos anos? Será que não havia informações a respeito? Ou será que nosso “Estado caranguejo” preferiu acompanhar tudo andando de lado, à espera que um milagre tudo resolvesse?

    Essas são apenas divagações minhas, assista o filme e tire suas conclusões.


  • Madame Satã: um retrato atemporal da exclusão e do preconceito

    Oi! tudo bem com você? Daqui, espero que sim! Esse seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, vem mais uma vez refletir um pouco com você sobre um filme. Dessa vez com um tema atual e urgente: o que podemos, devemos e temos o direito de fazer com nossas vidas, nossos corpos, nossa sexualidade.

    Em uma sociedade moldada numa moral religiosa e carregada de hipocrisia, como a nossa, essas que deveriam ser simples sentenças de um anunciado, acaba ganhando o debate público de interdições, mortes e todos os tipos possíveis de violências, nesse Brasil do século XXI. Apesar de alguns avanços e conquistas para pessoas da comunidade LGBTQIAPN+, essas continuam sofrendo todo tipo de discriminação e preconceito. Somos um dos países do mundo onde mais se mata pessoas LGBTQIAPN+, bem como mulheres, negros e pobres, sem piedade. Essa situação é quase que uma política de estado, basta olharmos as manchetes dos grandes jornais que vemos como essas populações são tratadas pelo aparato de segurança do estado. Estar dentro de uma dessas categorias de seres humanos e viver em periferia torna a pessoa um alvo, e, na maioria das vezes, sentenciado a morte.

    O filme que as próximas linhas vão tratar junta alguns desses mundos, o protagonista é pobre, negro e homossexual. Madame Satã é seu nome.

    Em Madame Satã vemos o preconceito tomando suas formas contra uma personagem real do Rio de Janeiro que não aceitou ser tratado de forma menor do que merecia, que não aceitava os olhares atravessados dos hipócritas, rebelando-se com sua arte, com seu corpo, com sua forma de amar, para colocar seu nome na história das lutas por viver e ser quem é, do jeito que se quer ser.

    Esse texto não aprofundará essas questões, pois não dará conta, nem por baixo, do grande debate que devemos fazer para superar, de uma vez por todas, os preconceitos. Minha intenção é fazer você assistir os filmes e as sérias que venho trabalhando aqui, e, inteligente com és, tire suas próprias conclusões.

    O filme “Madame Satã”, dirigido por Karim Aïnouz, em 2002, narra um breve período da vida de João Francisco dos Santos, o travesti e capoeirista que se tornou um ícone da cultura popular carioca na década de 1930. Através de uma narrativa fragmentada e sensorial, o longa-metragem mergulha na atmosfera da Lapa boêmia, retratando com maestria a exclusão e o preconceito que permeavam a sociedade da época.

    Embora ambientado em um passado distante, “Madame Satã” levanta questões que ainda hoje ressoam na sociedade brasileira. A marginalização das minorias sociais, a violência contra pessoas LGBTQIAPN+ e a invisibilidade da cultura afro-brasileira são temas que continuam a exigir reflexão e ação.

    A exclusão e o preconceito na época do filme, o que denominamos de homofobia, era extremamente visível. A homossexualidade era considerada um crime no Brasil até 1986. As pessoas homossexuais sofriam constantes perseguições e viviam à margem da sociedade.

    Da mesma forma, a segregação racial era uma realidade no Brasil da época que o filme relata. Negros e negras relegados a papeis subalternos e sofrem com a discriminação em todos os aspectos da vida, isso ocorre no período histórico que o filme relata e segue com algumas proporções nos dias atuais. Em pleno século XXI, o preconceito de cor, de sexualidade e a marginalização social devido a pobreza, continuam existindo.

    O filme “Madame Satã” contribui para a reflexão sobre a história da exclusão e do preconceito no Brasil, celebrando a resistência e a força da comunidade LGBTQIAPN+. É um filme necessário e urgente, que nos convida a repensar nossas relações sociais e lutar por uma sociedade mais justa e inclusiva. Além da exclusão e do preconceito, o filme também aborda temas como: a busca por identidade, a força da comunidade, a beleza da arte e da cultura popular.

    “Madame Satã” é um filme complexo e multifacetado que merece ser assistido, refletido e replicado.

    Ah! É muito fácil de encontrar esse filme na net, é só pesquisar em seu buscador de preferência.


  • Close: Uma tocante história sobre amizade, afeto e a fragilidade da adolescência

    Oi! Tudo de boas com você? Esse degustador de filmes, series e tudo que o audiovisual produz, espera que sim!

    Esse filme é o primeiro no qual vou me valer de conhecimento acadêmico, adquirido quando estava cursando o PROFHISTÓRIA/UFRN, sendo mais exato, o conhecimento da disciplina de Narrativa, Imagem e a Construção do Fato Histórico, que foi brilhantemente ministrada pela Dra. Maria da Conceição Guilherme Coelho. Mas, não irei detalhar aqui o conhecimento, citei só para termos uma ideia do quanto foi emocional escrever sobre esse filme, tendo que recorrer a técnica, senão essa resenha não saía. Se você perguntou o porquê disso agora, respondo com um exemplo, em “Bebe Rena”, que escrevi carregado de emoção, foi muito mais fácil terminar o texto do que nesse, pois, chorei assistindo o filme, estou chorando nesse momento que escrevo. Minha identificação foi imediata com o enredo, guardando proporções. Lembrei de situações que passei quando na adolescência demostrava afetos por meus amigos, e nessa sociedade de hipocrisias sei que um homem não pode demonstrar afetos por homem. Entendo o cunho homofóbico que está por trás dessa situação e que merece um texto para aprofundar o tema.

    Destarte, não vou ser arrogante e ditar para você que esse filme é necessário como a gente sempre lê alguém ditando, que tais livros são necessários, tais filmes e etc. Mas, ao chegar no final dessa parca escrita, se ainda não assistiu “Close”, procure assistir e faça um favor a si e aos que lhe rodeiam, ame a si e ao próximo, respeite e se livre da ignorância homoafetiva e qualquer outra forma preconceituosa, porque essas matam e matam muito.

    “Close”, dirigido por Lukas Dhont, explora, com sensibilidade e maestria, a complexa relação entre dois amigos adolescentes, Léo e Remi, em um momento crucial de suas vidas. O filme captura a intensidade da amizade masculina, a descoberta da identidade e os perigos da pressão social, tudo isso ambientado no contexto escolar.

    O filme acompanha de perto a jornada dos dois amigos enquanto eles lidam com a dor, a culpa, o medo e um deles vai tentar entender os eventos que levaram a uma tragédia ocorrida na trama. Calma, não irei relatar a tragédia para não dar spoiler.

    Um dos pontos fortes de “Close” é a forma como retrata a amizade masculina na adolescência. Léo e Remi são amigos inseparáveis, compartilhando tudo um com o outro. Sua amizade é intensa, física e afetiva, desafiando as normas sociais tradicionais de masculinidade. Explora com delicadeza a descoberta da identidade e as inseguranças que acompanham esse processo. Léo e Remi estão em um momento de suas vidas em que estão começando a se questionar sobre quem são e qual é o seu lugar no mundo. Essa busca por identidade se torna ainda mais complexa diante da pressão social e dos estereótipos de gênero.

    “Close” também aborda o tema do bullying e do impacto devastador que a fofoca pode ter na vida de um adolescente. Um boato maldoso sobre Léo e Remi se espalha pela escola, colocando em risco a amizade dos dois e levando a consequências trágicas. O filme nos convida à reflexão sobre a importância da amizade, da comunicação e da empatia. Nos faz pensar sobre como nossas palavras e ações podem afetar os outros, especialmente os mais jovens e vulneráveis.

    Dhont constrói sua narrativa de forma tensa e envolvente, explorando as consequências devastadoras de um boato maldoso e a fragilidade da nossa mente que pode adoecer devido a maldade alheia. A adolescência é retratada com sensibilidade, enquanto o desfecho trágico serve como um alerta para os perigos da homofobia e da falta de empatia.

    Este é um filme imperdível para quem busca uma história tocante e reflexiva sobre a amizade, o afeto e os desafios da adolescência, que vai te emocionar e te fazer pensar, espero eu.


  • Ilha das Flores: um retrato pungente da fome na sociedade de consumo

    E aí, tudo tranquilo com você? Espero sinceramente que sim. Como vocês sabem, sou um degustador de filmes e séries, na verdade, de tudo que o audiovisual produz. Deixei claro no último texto que não curto apenas filmes de terror, por achar o gênero sem graça, mas irei sim, a pedido do meu amigo Ionaldo (Naldo), escrever depois sobre um filme de terror que dei valor.

    Pense um pouco, você é capaz de lembrar de todos os filmes e séries que já assistiu? Se sim, você lembra quais? Quem estava na tua companhia? Porque eu, além de lembrar de todos, ainda sei com quem estava quando assisti cada um. O primeiro que assisti foi “Atrapalhando a Suate”, filme de 1983, do quarteto Os Trapalhões, composto por: Didi, Dedé, Mussum e Zacarias, exibido no cine Panorama, no bairro das Rocas, cinema que alguns anos depois passou a exibir só filmes pornôs, em seguida virou igreja. 

    Quando vi esse filme, estava com meu saudoso pai, Francisco de Assis Silva (Chimba), da minha mãe Maria do Carmo dos Santos Silva (Carminha) e da minha irmã Claudia Poliana Silva, mas sem sombra de dúvidas a pessoa com quem mais fui ao cinema, foi meu primo Edgar Fonseca (Novinho), somos, inclusive, xarás de apelido.

    Do final dos anos 80 até os anos 2000, assistimos para mais de 60 filmes nos cines Rio Grande, Nordeste, Rio Verde, além dos cinemas no Natal Shopping e Midway. Vi alguns títulos como: Amor Estranho Amor, Superman 4, Robocop e Capitão América. Poderia colocar título por título, porém deixaria a resenha enfadonha.

    Apesar das plataformas de streaming, que sou usuário assíduo, não dispenso ir ao cinema, pois para para mim é um ritual assistir um filme na grande telona, acompanhando de uma pipoca quentinha.

    O curta-metragem que vou abordar nas próximas linhas traz um tema forte, que precisa ser enfrentado com responsabilidade social por toda sociedade para ser vencido. Esse tema é a fome, flagelo que quem passa por ele perde um pouco da própria humanidade. 

    O curta-metragem é: Ilha das Flores, dirigido por Jorge Furtado em 1989. Esse curta traça um panorama inquietante da fome em meio à abundância, tecendo uma crítica mordaz à sociedade de consumo. A narrativa acompanha o tomate desde sua colheita em uma próspera plantação, simbolizando a capacidade da terra de prover alimento para todos. No entanto, o tomate logo se vê em meio a uma cadeia de exploração e desperdício. Transportado para um supermercado, ele é exposto como um produto comercial, sujeito às leis de mercado e à obsolescência programada. Imperfeito e fora dos padrões estéticos artificiais impostos pelo sistema, o tomate é descartado, mesmo que ainda comestível.

    Sua trajetória o leva ao aterro sanitário da Ilha das Flores, um microcosmo das disparidades sociais. Lá, o tomate se torna alimento para porcos, enquanto crianças em situação de pobreza disputam restos de comida imprópria para o consumo animal. Essa cena brutal expõe a realidade cruel da fome no mundo, mesmo em um país como o Brasil, grande produtor de alimentos.

    Ilha das Flores não se limita a mostrar a fome como um problema individual, mas a desvenda como um sintoma da disfunção sistêmica. A lógica do lucro a qualquer custo, a valorização da estética em detrimento da nutrição e a concentração de renda nas mãos de poucos são alguns dos elementos que contribuem para a perpetuação da fome, mesmo em um mundo que produz comida suficiente para alimentar toda a população.

    O filme se destaca pela sua linguagem simples e direta, utilizando recursos como a ironia e o humor constrangedor para despertar a reflexão crítica do espectador. A trilha sonora minimalista e a narração em tom documental contribuem para a construção de uma atmosfera densa e impactante.

    Ilha das Flores é um convite à reflexão sobre os paradoxos da sociedade de consumo. Mais do que um curta-metragem, é um manifesto contra a fome e o desperdício, um lembrete de que a comida é um direito humano fundamental e que a erradicação da fome é uma responsabilidade coletiva.

    Para além da crítica social, o filme também oferece algumas pistas para a construção de um futuro mais justo e sustentável como: 

    • Combate ao desperdício: reduzir o desperdício de alimentos em todas as etapas da cadeia alimentar, desde a produção até o consumo, é fundamental para garantir o acesso universal à comida.
    • Agricultura familiar: fortalecer a agricultura familiar e campesina que produz alimentos frescos e nutritivos com menor impacto ambiental é crucial para a construção de um sistema alimentar mais justo e sustentável.
    • Políticas públicas: implementar políticas públicas que garantam o acesso à terra, crédito e assistência técnica para os pequenos agricultores, além de programas de distribuição de alimentos para as populações mais vulneráveis, são medidas essenciais para combater a fome.
    • Consciência do consumidor: o consumo consciente, que valoriza produtos locais, frescos e produzidos de forma sustentável é fundamental para pressionar as empresas por práticas mais justas e ambientalmente corretas.

    Ilha das Flores é um filme necessário e atemporal, que nos convida a repensar nossa relação com a comida e nosso papel na construção de um mundo mais justo e sustentável.

    Vale ressaltar que o curta-metragem é de fácil acesso online, o que permite que seja utilizado como ferramenta educativa em escolas, universidades e comunidades. Através da exibição e debate do filme, podemos promover a conscientização sobre a problemática da fome e mobilizar ações para a construção de um futuro com mais justiça alimentar.


  • Bebê Rena: uma jornada sombria através da solidão, abuso e superação

    Sou um degustador de filmes e séries, aliás, de quase tudo que o audiovisual produz, dos gêneros que se colocam, só não assisto filmes de terror, acho desinteressante, mas os demais estou sempre consumindo. Com as diversas plataformas de streaming o consumo aumentou, porém, deixo claro que não dispenso ir ao cinema e consumir um filme numa boa telona, na companhia de pipoca quentinha, pois vejo algo de místico no ritual de ir ao cinema. Ah! Nunca antes havia escrito sobre filmes ou séries, e olha que devo ter assistido um número bastante razoável, mas nunca fiz as contas de quantos.

    Destarte, isso mudou quando num belo domingo, desses que estou com a boca escancarada repleta de dentes, deitado em minha cama, e vejo no cardápio do streaming uma série com o nome “Baby Reindeer”, na tradução Bebê Rena. De princípio ri com esse nome, pensei, meditei, falei com minha taça de vinho: não vou assistir, deve ser uma droga com esse nome de m… 

    Mas, de maneira oposta ao que pensei, resolvi assistir, e tamanha foi a surpresa, pois fiquei vidrado na tela, ao ponto de o vinho na taça virar purgante de tão quente, e, sem perceber, sete capítulos tinham se passado e eu estava absorto pela série. Seu enredo atravessou-me, por isso resolvi escrever. Não se preocupem, deixarei aqui apenas minhas impressões e poucos spoilers, então vocês podem ou não assistir a série tirando suas próprias conclusões depois dessa leitura.

    Baby Reindeer, minissérie britânica da Netflix, mergulha em um turbilhão de emoções ao retratar a história real de Richard Gadd, interpretado por ele mesmo, que é um comediante em ascensão que se vê enredado em uma teia de obsessão, abuso e trauma. A série, com apenas sete episódios, tece uma narrativa crua e perturbadora, explorando os efeitos devastadores da solidão, do abuso sexual e do vício em drogas na mente e na alma de um indivíduo.

    Logo no início somos apresentados a Donny, um jovem talentoso e carismático, mas que luta para encontrar seu lugar no mundo. Sua solidão o torna vulnerável à atenção de Martha, uma mulher misteriosa e instável, que rapidamente se torna obcecada por ele. O relacionamento tóxico entre ambos se intensifica, levando Donny a um espiral de sofrimento e desespero. A solidão toma conta de Donny, o isolando cada vez mais do mundo exterior. Ele se torna refém da manipulação de Martha, incapaz de escapar de suas garras. 

    A série explora com maestria a fragilidade da psique humana diante da solidão, demonstrando como ela pode abrir portas para relacionamentos abusivos e comportamentos destrutivos.

    O abuso sexual e o vício em drogas se configuram como mecanismos de fuga para Donny, que busca, em vão, aliviar a dor e o vazio que o consomem. A série retrata com brutal honestidade os efeitos devastadores desses traumas, não apenas no corpo, mas também na mente e no espírito.

    Baby Reindeer não se limita a mostrar o lado sombrio da história, a série também oferece um vislumbre de esperança e redenção. Através da força interior e do apoio de amigos e familiares, Donny encontra forças para enfrentar seus traumas e reconstruir sua vida.

    Após maratonar a minissérie posso dizer que a mesma serve como um alerta poderoso sobre os perigos da solidão, do abuso sexual e do vício em drogas. É um lembrete de que a saúde mental deve ser valorizada e protegida e que a busca por ajuda nunca é vergonhosa.

    Com atuações excepcionais, uma trilha sonora envolvente e uma direção impecável, Baby Reindeer é uma obra de arte perturbadora, mas necessária. É uma série que te prende do início ao fim, te faz refletir e te convida a confrontar os fantasmas que assombram a alma humana.

    Nessas poucas linhas, é impossível capturar a complexidade e a profundidade de Baby Reindeer. Mas espero que esta resenha sirva como um convite para explorar essa obra poderosa e comovente, que te fará questionar os limites da resiliência humana.

    Claudio Wagner é professor, cientista da religião, historiador e poeta, autor do Livro Entre a Sombra da Razão e Razão da Sombra, CJA-2016.


Crônicas



















Claudio Wagner













  • Receita de Liberdade

    Como toda receita que se preze, não poderia deixar de lado esse toque: vai deixando seu forno das emoções pré-aquecido em 200 graus célsius, pois sem a temperatura adequada, é muito possível que a receita desande no final.


    Faz dez anos que recebo tratamento médico para uma doença terminal. O engraçado dessa situação é que quando recebi o diagnóstico, duas coisas foram informadas: a primeira, que a doença é raríssima, acometendo um em cada um bilhão de pessoas no planeta, é meio que uma loteria, que ganhei sozinho. Segunda, iria morrer em seis meses, mas já se passaram dez longos anos. Não é nada bom saber que vou morrer, mas todos que estão vivos também vão, então qual o problema? O problema, é que sou eu, e não os outros.

    Nos dez anos que faço tratamento, a cada quinze dias tenho que ser internado para umas avaliações médicas e tomar uma grande quantidade de medicamentos que não curam a doença, mas servem de controle paliativo para que ela não me mate mais rápido. Me pergunto se não seria bom já ter terminado com isso. Porém, o tempo vai se passado e sigo vivo, levando minha vida, um dia de cada vez.


    Ah! Quanto a essa receita de liberdade, ela não é minha, nem minha doença tem muito a ver com ela. Aliás, minto, até tem a haver um pouco, pois foi em uma das minhas internações, que conheci o Nelson, pessoa que me deu a receita, mas que também não é dele. Achei tão interessante que quero compartilhar.


    Assim que vi aquele negro, de uns dois metros de altura, deitado em uma cama do hospital, ao lado da minha, fui tomado de curiosidade para saber qual o motivo dele estar ali. Fiquei a pensar se ele, assim como eu, seria um ganhador da loteria de doenças terminais, mas logo vi que não, assim que ele contou, de uma vez só, toda sua biografia de vida e o motivo que o levara àquele lugar e àquela internação.


    Nelson contou-me que cresceu na mais extrema pobreza, passou por todo tipo de privações. Era um dos seis filhos de um casal de moradores da favela “Fundo do Poço”. O pai, era alcoólatra, batia na mãe, abusava da filha menor de idade. Sua mãe era catadora de material reciclável e tinha que trabalhar de sol a sol, todos os dias, para conseguir comprar alguma coisa para os filhos comer e para sustentar o vício do marido. Nelson fugiu de casa aos quatorze anos e nunca mais teve contato com nenhum deles. Sua vida mudou um pouco quando conheceu o projeto “Drive do Amanhã”, que ensina jovens, em situação de rua, a ler, escrever e dirigir, para que tenham a profissão de motorista. Apenas os que tinham boas notas, boa aparência e bons antecedentes criminais, conseguiam, ao final do curso, um emprego em casa de Madame.


    Ele falou que nunca entendeu bem os porquês de tanta exigência para ser motorista (chofer), mas por algum motivo ele conseguiu atender todos os requisitos. Graças a isso, ele conheceu Tânia, o amor da sua vida, para sempre. Tânia é fundamental na citada receita. Mas, calma, ainda preciso concluir a história sobre Nelson.


    Em seu primeiro dia de trabalho como motorista, recebeu dois ternos pretos, duas meias pretas, um par de sapatos pretos, um número menor que o tamanho dos seus pés. Ele avisou a patroa sobre o tamanho dos sapatos, mas ela disse: -Vocês pobres reclamam de tudo, por isso não conseguem trabalhar! Então, ele não reclamou mais. Quando foi contratado tinha vinte e quatro anos, agora está com quarenta. Passou todos esses anos trabalhando, sempre com um sapato menor que os pés.


    Já Tânia, segundo Nelson, aos dezenove anos de idade, tinha a beleza de uma lua cheia primaveril. Era, certamente, musa para qualquer verso que fale de amor, inspiração de lindas canções e belíssimas peças de teatro. Moça de classe abastada, tinha tudo aos seus pés, inclusive, a liberdade de ir e vir para onde lhe dava na telha, mas não tinha amor.

    O coração de Tania nunca leu “História de Amor no Ocidente”, de Denis de Rougemont. Não sabia o quanto ao longo dos séculos vão adestrando as pessoas para que o amor seja sofrível, trágico, doloroso. Avessa a tudo isso, e aos papéis sociais que nossa sociedade impõe, ela trocou olhares com Nelson, e antes que alguém julgasse certo ou errado, a menina rica estava amando o homem negro, pobre e mais velho que ela, o que a sociedade burguesa vê como um crime gravíssimo, que não merece perdão.
    Sabe, na alma não existem regras sociais, parece que ali tudo é permitido, e a alma de Nelson soube o que era o amor assim que olhou no olhar daquela linda menina, filha da madame, sem se importar com nada. Ele me confessou que não lembra de onde partiu o convite, nem como tudo foi combinado entres eles, mas que do nada, os dois estavam na praia. Chegaram lá antes do nascer do sol no horizonte e só saíram no entardecer. Não houve abraço, nem beijo entre eles. Passaram todo o dia a se olhar e conversar coisas que ele não lembrava bem. Acho que estava em transe de tanto amor. Há apenas uma fala que ele recorda, quando o sol ia se pôr, ela falou como quem canta um mantra: -Vê o sol caindo no horizonte? É tão belo que faz a gente entender toda a liberdade que a vida oferece. Então, ele pediu para ela explicar para ele o que é liberdade. Daí ela disse: -É uma receita simples, basta calçar sapatos que deixem os pés confortáveis, bem à vontade para podermos ir e vir para onde quisermos. É poder sair dando passos firmes, nos sentindo livres, leves, soltos e donos de nós. Então ele lembrou que, no trabalhava, há anos que caminha com os pés doendo, devido aos sapatos que os apertavam. Assim sendo, ele não tinha como saber o que era aquela liberdade que ela falava.


    Depois desse único encontro, ele passou quinze dias sem saber notícias sobre ela. Chegou a pensar que ela estava andando livre em outros contos, com seus sapatos confortáveis, não tendo tempo para ele. Até que o porteiro do condomínio onde ele trabalhava o encontrou e falou que ocorreu uma tragédia. Um carro, dentro do condomínio, atropelou e matou a dona Tânia de Morais e Melo. Ao ouvir aquilo, ele sentiu uma dor que é incapaz de descrever. Foi para casa e passou o dia e a noite bebendo muito. Em um determinado momento de alucinações e dores, pegou uma máquina de serra, cortou todos os dedos dos pés e calçou os sapatos, mas não experimentou a liberdade. Acordou no hospital e agora está desabafando comigo.


    Hoje, segunda-feira de 2040, continuo vivo, mas nunca mais soube nada do Nelson. Enquanto relato essa receita de liberdade, não me sai da cabeça a frase de uma música da banda Legião Urbana, L’Aventura: “Quando não há compaixão/ Ou mesmo um gesto de ajuda /O que pensar da vida/ E daqueles que sabemos que amamos?”


  • Druk: Mais uma rodada – Uma análise sobre vício, moderação e hipocrisia

    Quem já perdeu alguém para o alcoolismo sabe o quanto isso afeta nosso emocional, pois ficamos imaginando o que poderíamos ter feito de diferente para salvar àquela pessoa querida e ela permanecesse entre nós. Isso é algo muito complexo, uma vez que chegamos até a nos questionar se temos ou não alguma culpa por não ter alertado a pessoa ou algo do tipo. Porém, temos que levar em conta que o dependente de álcool ou outras drogas, sejam lícitas ou ilícitas, é portador de uma doença, hoje tratada pelo nome de adicção, que tem difícil diagnóstico e tratamento, e quando alguém perto da gente está com ela, acaba envolvendo todos ao entorno e nos adoecendo junto.

    E, sim, esse degustador de filmes, séries e tudo que o audiovisual produz, já perdeu pessoas amadas para o vício em álcool. Pessoas que foram embora do meu convívio de forma tão precoce e estúpida, por não saberem a hora de parar de beber e, o que em primeiro momento era uma diversão, tornou-se o motivo principal que lhes ceifou a vida, bem mais precioso que temos.

    Não é meu objetivo aqui ditar regras, ser contra ou a favor do consumo de quaisquer substâncias, quero apenas que ao fim da resenha possamos refletir um pouco sobre determinadas coisas que podem levar alguém ao precipício. Tenho plena consciência que não existe, ou tenha existido, sociedade humana sem uso de entorpecentes, para os mais variados fins, mas o que devemos nos perguntar é quando o uso passa a ser um perigo para nossa saúde e quando no lugar de sermos usuários estamos na verdade sendo usados pela substância, ou seja, somos por ela manipulados e viramos escravos.

    Parafraseando Raul Seixa: “Faz o que tu queres, pois é tudo da lei, mas com um pouco de cuidado, não é nada demais para ti e os teus”.

    O filme que quero apresentar hoje é “Druk”, aclamado longa metragem dinamarquês, que nos convida a uma profunda reflexão sobre os limites da felicidade e os perigos do vício. Através de uma trama envolvente e personagens complexos, o longa explora a ideia de que um pouco de álcool pode turbinar a criatividade e a vida social, mas que a linha entre a moderação e a dependência é tênue. O enredo acontece com um grupo de professores que decidem testar uma teoria sobre o consumo moderado de álcool, como forma de aumentar a felicidade e a produtividade. Inicialmente, os resultados parecem promissores, mas logo a situação escapa do controle e as consequências do vício começam a se manifestar.

    “Druk” não romantiza o consumo de álcool, mas também não o demoniza. O filme apresenta uma visão realista e complexa sobre o tema, mostrando como o vício pode afetar diferentes aspectos da vida de uma pessoa, desde as relações pessoais até a carreira profissional. Um dos pontos mais interessantes de “Druk” é a forma como aborda a questão da hipocrisia. Os personagens, que inicialmente se veem como liberais e modernos, acabam se revelando tão vulneráveis ao vício quanto qualquer outra pessoa. O filme nos convida a questionar nossos próprios comportamentos e a reconhecer que todos somos suscetíveis a cair em tentações.

    A direção de Thomas Vinterberg é impecável, com cenas memoráveis e uma fotografia que intensifica a atmosfera de tensão e euforia. As atuações são geniais, com destaque para Mads Mikkelsen, que interpreta o protagonista com uma intensidade que nos prende do início ao fim.

    Em suma, Druk é um filme essencial para quem busca uma reflexão sobre os desafios da vida moderna e a importância de encontrar um equilíbrio entre prazer e responsabilidade, nos convidando a questionar nossos próprios limites e a buscar uma vida mais autêntica e significativa, tendo como pontos fortes o roteiro inteligente e bem construído, a direção impecável, atuações de alto nível, abordagem realista e complexa da temática, reflexão sobre a hipocrisia e a busca por felicidade. Os únicos pontos fracos que percebi foram alguns momentos previsíveis e o final um pouco abrupto.

    Concluo dizendo que “Druk” é um filme que vai te fazer pensar e te emocionar. Se você busca um longa que vá além do entretenimento e provoque reflexão sobre a vida, não deixe de o assistir. Para quem gosta de filmes dramáticos com uma pitada de comédia e uma reflexão profunda sobre a condição humana, este é o filme que indico.


  • Besouro: Cordão de Ouro – Uma jornada pela luta negra no Brasil

    Era 29 de outubro do ano da graça dos meus ancestrais de 2009, para variar minha cabeça anda a mil com projetos poéticos que nem desenvolvi, e agora me pergunto o porquê? Nesse dia, à tardinha, havia me encontrado com minha amiga Rosiane de Paula, na minha livraria, em um  ‘shopping’ aqui de Natal/RN. Conversa vai e conversa vem sobre planos relacionados ao futuro e a respeito do curso de Ciências da Religião-UERN, Rosi me falou: Claudio, amanhã vai ser o lançamento nacional do Filme “Besouro Cordão de Ouro”, que conta a história de Manoel Henrique Pereira, um baiano de Santo Amaro, que ficou mais conhecido como Besouro do Mangangá, ele foi um mestre de capoeira. que no início do século XX tornou-se o maior simbolo da capoeira baiana e da luta em favor do povo Negro no Brasil.

    A descrição entusiasmada de Rosiane a respeito do filme, já despertou nesse degustador de filmes e séries a tudo mais que o audiovisual produz, um desejo enorme para assistir a estreia. Respondi “vamos ir assistir”, ela de pronto topou. Marcamos de nos encontrar no Shopping no dia seguinte, às 15 horas, antes do início da sessão. Rosiane não apareceu, acabei assistindo ao filme sozinho. Experiência incrível em todos os sentidos.

    O ator Ailton Carmo de forma magnífica interpreta Besouro personagem principal, que tem uma função de usar suas habilidades na arte da capoeira para proteger Mestre Alípio, que no filme é interpretado pelo ator Macalé dos Santos, sem conseguir cumprir com suas tarefas, Besouro acaba tendo sua lealdade questionada e esse fato irá desembocar em variadas ações na trama.

    O filme que retrata o século vinte no Brasil, com enfoque no povo negro e em como, mesmo após a abolição, eles continuam sendo tratado como escravizado. Aborda também como a capoeira ainda é uma prática proibida no país, uma vez que o desde 1889 a 1937, código penal da república dos Estados Unidos do Brasil. Decreto número 847, de 11 de outubro de 1890 proibia sua prática. O que só deixou de ocorrer, quando em 1934, através de um decreto expedido pelo presidente Getúlio Vargas, ela passou a ser permitida.

    Poderia, ater-me a vários aspectos do filme, como fotografia impecável, efeitos especiais carregados de magia, a beleza e plasticidade das cenas nas quais a capoeira entra, a beleza dos corpos dos atores, atrizes e suas interpretações magníficas, mas, isso vou deixar com vocês, que tenho certeza se não assistiram vão assistir, e se assistiram vão lembrar do que escrevi aqui e concordar.

    Besouro: Cordão de Ouro é um filme que transcende a mera categoria de entretenimento, transformando-se em um poderoso veículo para a reflexão sobre a luta negra no Brasil. A obra, que narra a história de Manuel dos Reis, um capoeirista que se torna um ícone da resistência contra a opressão, nos convida a mergulhar em um período histórico marcado por profundas desigualdades sociais e raciais.

    A capoeira, arte marcial de origem afro-brasileira, é central na trama e representa muito mais do que simples movimentos corporais. Ela se configura como um símbolo de resistência, identidade e ancestralidade para a comunidade negra. Ao longo do filme, acompanhamos a trajetória de Besouro, que utiliza a capoeira não apenas como forma de expressão artística, mas também como ferramenta de luta contra a injustiça e a discriminação.

    A relação entre o filme e a luta negra no Brasil é indissociável. “Besouro: Cordão de Ouro” nos mostra como a capoeira foi utilizada como um meio de preservação da cultura afro-brasileira e de afirmação da identidade negra em um contexto de constante apagamento e marginalização. A obra também denuncia as diversas formas de violência sofridas pela população negra ao longo da história, como a escravidão, o racismo institucional e a violência policial.

    Ao retratar a vida de Besouro, o filme nos apresenta um heroi popular que inspira a luta por justiça e igualdade. A figura do capoeirista, que se torna um símbolo de resistência, nos convida a refletir sobre a importância de valorizar a história e a cultura negra, e de continuar a lutar contra o racismo em todas as suas formas.

    Besouro: Cordão de Ouro é um filme que emociona, inspira e provoca. Ao assistir a essa obra, somos convidados a repensar o nosso lugar no mundo e a construir um futuro mais justo e igualitário para todos.


  • “The Emperor’s” – O Clube do Imperador: uma reflexão sobre ensino, ética e história

    O seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, traz mais uma de suas impressões sobre um filme lançado nos Estados Unidos em 2002, com o ator norte-americano Kevin Kline, que dá vida a William Hundert, um professor de História de uma renomada instituição de ensino especializada na formação de jovens da elite, o Colégio St. Benedict’s. É possível vermos a dedicação e paixão do professor em realizar o seu trabalho, ele acredita de fato que o ensino de História é uma ferramente poderosa para auxiliar na formação do caráter dos seus educandos.

    A cada começo de ano letivo, no Colégio St. Benedict’s, o professor explica os objetivos das suas aulas e pede para um dos alunos lê uma plaqueta que está posicionada numa parede da sala. Nessa plaqueta estão os grandes feitos de “Shutruk-Nahunte”. Quando o aluno termina de ler os tais feitos, o professor explana que esses grandiosos feitos só podem ser encontrados naquela plaqueta, porque ao contrário dos bustos dos grandes imperadores que rodeiam a sala, os quais seus feitos foram notáveis, os de “Shutruk-Nahunte” não, uma vez que esse não passava de um egoísta, e que realizara as coisas apenas por objetivos pessoas, sem deixar nenhum legado que pudesse ser importante para História, o colocando no ostracismo.

    A leitura da plaqueta sobre “Shutruk-Nahunte” tem muita importância no desenrolar do filme, ao fim do semestre no Colégio St. Benedict’s os três melhores alunos da disciplina de História participam de uma competição chamada “Júlio César”, organizada pelo professor de História. Nessa competição, eles vão, entre si, buscar responder  sobre a história clássica greco-romana, objetivando testar quem domina o conteúdo de História. Aquele que ganhar a competição é coroador como imperador, passa a ter sua foto em lugar de destaque na instituição. 

    Com a chegado do aluno Sedgewick Bell (Emile Hirsch), filho de um senador da república, que desde sua entrada em sala de aula se mostra indisciplinado e sem nenhum interesse no estudo da história, vai colocar em xeque a forma de ensino do professor. O professor enxerga potencial no aluno, mas não sabe como fazê-lo entender a importância do estudo para sua vida.

    Ajudado pelo professor William Hundert, que forja a nota de Sedgewick Bell,  possibilitando a ele ser um dos três que irão competir, para ver quem sairá coroado como imperador. O professor faz isso acreditando que o aluno mudou e está estudando, porém, durante a competição o professor percebe que Bell está se saindo muito bem, inclusive fica para a pergunta final, porém, o professor consegue perceber o embuste do aluno que na verdade está trapaceando, usando o desprezível recurso da cola. Hundert avisa ao diretor da instituição que irá desclassificar o estudante por isso, mas nessa hora é advertido pela direção que o pai daquele aluno o senador e um dos principais mantenedores do St. Benedict’s, e que o professor deve fazer vista grossa e seguir com a disputa.

    Anos irão se passar e o Sedgewick Bell irá propor uma revanche aos colegas sobre disputa do passado, para isso ele convida o velho professor para mediar a disputa ao reunir todos os colegas, Bell revela para eles que quer se candidatar a senador como seu pai, a competição começa e mais uma vez o professor descobre que o Bell esta trapaceando, só que agora usando um teleponto com ajuda de uma estudante universitário. O professor resolve então deixar de lado as perguntas que havia preparado e pergunta quem foi “Shutruk-Nahunte”? O ajudante de Bell não trapaça, não consegue responder, e ele é derrotado. O professor, em um outro momento, tem uma longa conversa com o ex-aluno para, mais uma vez, chamá-lo a razão sobre a importância de uma vida com retidão e ética.

    Guardadas as proporções, quem assistiu o filme Sociedade dos Poetas Mortos, e depois for assistir O Clube do Imperador, certamente enxergará alguma semelhança entres os dois. Porém, já advirto, a proposta que os dois buscam passar não é tão parecida. 

    Minhas impressões sobre o filme é que ele tece uma trama envolvente que nos convida a refletir. O Clube do Imperador” nos apresenta um microcosmo de um colégio interno de elite, onde a disciplina e a honra são pilares da educação. Ética sobre a importância do ensino de história, a paixão pela profissão docente e a complexidade da formação moral dos jovens. O professor Hundert, com sua dedicação incansável, busca transmitir aos alunos a importância dos valores romanos, como a honra e a justiça. A comparação entre a importância do estudo da história e o amor pela profissão de professor é um dos pontos mais relevantes do filme. Hundert demonstra uma paixão genuína por ensinar e acredita que a história pode ser uma ferramenta poderosa para a formação do caráter preparando-os para os desafios da vida adulta. Ao estudar os erros e acertos dos grandes líderes do passado, os alunos podem aprender a tomar decisões éticas e a construir um futuro melhor.

    No entanto, o filme também nos mostra que o conhecimento histórico por si só não é suficiente para garantir a formação de pessoas éticas. Sedgewick, apesar de inteligente e culto, demonstra uma profunda falta de caráter. Sua traição ao professor e aos colegas revela que a ética não é algo que se aprende apenas nos livros, mas que é fruto de um processo de formação mais complexa, que envolve a família, a sociedade e a própria personalidade do indivíduo.

    A ausência de ética em Sedgewick levanta a questão de até que ponto um professor pode influenciar a formação moral de seus alunos. Hundert, apesar de todos os seus esforços, não consegue mudar a natureza de Sedgewick. Isso não significa que seu trabalho seja em vão, mas sim que a educação é um processo colaborativo, que envolve a família, a escola e a sociedade como um todo.

    Em suma, “O Clube do Imperador” é um filme que nos convida a refletir sobre a importância da educação, da ética e da história, nos desafiando a pensar sobre o nosso papel na construção de um mundo mais justo e humano.


  • Ana Bolena: um símbolo da liberdade feminina na série Sexo, Sangue e Realeza

    Se vasculharmos registros do passado em busca de fontes documentais sobre as lutas das mulheres por direitos, é bem possível que encontremos pouca coisa. No entanto, isso não significa que essas lutas não existiram. Qualquer sociedade, de qualquer época, que apresenta opressão, também possui indivíduos ou grupos lutando para superá-la, e com as mulheres não é diferente. Seja na Idade Média Europeia (476 a 1453), no Brasil Colônia (1530 a 1815) ou nos Estados Unidos durante a Guerra Civil Americana (1861 a 1865), as mulheres sempre apareceram lutando por igualdade e na superação de modelos de sociedade que privilegiam os homens.

    Estudiosos do tema creditam ao contexto da Revolução Francesa (1789), ou seja, a Era do Iluminismo, o surgimento do feminismo moderno. As lutas por direitos iguais em relação aos homens, como configuradas atualmente, nasceram nesse contexto histórico. Em 1791, por exemplo, a revolucionária Olímpia de Gouges escreveu uma célebre declaração, na qual afirmava que as mulheres têm direitos naturais idênticos aos homens e, por isso, deveriam participar direta ou indiretamente da formulação das leis e da política em geral.

    Eu poderia elencar vários exemplos de mulheres lutadoras ao longo da História para reforçar meus argumentos, mas isso tornaria o texto longo e cansativo, desfocando seu propósito: apresentar uma série que retrata a história de uma mulher forte, sagaz e muito além de seu tempo. Como muitas, Ana Bolena não aceitou o papel que a sociedade, pensada e organizada por homens, buscou lhe impor. A série da Netflix “Sexo, Sangue e Realeza” demonstra como Ana Bolena desafiou as regras impostas, incluindo momentos com depoimentos de especialistas e estudiosos de sua biografia que confirmam sua força e as formas que encontrou para lutar contra essas regras.

    A série oferece uma perspectiva fascinante sobre a vida de Ana Bolena, segunda esposa do Rei Henrique VIII da Inglaterra. Através de sua história, mostra como mulheres que desafiam as normas sociais podem alcançar a liberdade e o poder. Ana era ambiciosa e inteligente, não se contentava com o papel tradicional de rainha. Ela questionava as regras da corte e defendia seus próprios valores, entrando em conflito com a sociedade patriarcal que tentava controlá-la e silenciá-la.

    Na série, Ana é retratada como uma mulher determinada que luta por seus sonhos e desejos. Ela se recusa a se submeter às expectativas da sociedade e desafia as autoridades sempre que necessário. Essa postura a leva a um destino trágico, mas também a torna um símbolo da emancipação feminina.

    A série também explora a complexa relação entre Ana e o Rei Henrique VIII. O rei era um homem poderoso e possessivo que exigia total obediência de sua esposa. No entanto, Ana não se intimidava com seus caprichos e se recusava a ceder às suas demandas. Essa resistência a tornou ainda mais desejável para o rei, mas também o levou à loucura e à tirania.

    A morte de Ana Bolena foi um evento trágico, mas sua história serve como um lembrete importante de que as mulheres não devem se submeter às normas sociais que as limitam. Ela nos ensina que é possível desafiar o status quo e lutar por uma vida livre e autônoma.

    Ao retratar Ana Bolena como uma mulher complexa e multifacetada, a série “Sexo, Sangue e Realeza” nos convida a refletir sobre os desafios que as mulheres enfrentam em uma sociedade patriarcal. A história de Ana é uma inspiração para todas as mulheres que buscam seus direitos e sua liberdade.


  • 400 contra 1: um mergulho na origem do crime organizado no Brasil

    Procurando uma metáfora em que pudesse encaixar o Estado (Nação Brasileira), eis que resolvi criar uma: o Estado é um “caranguejo” quando o assunto é resolver os problemas crônicos em áreas como: educação, saúde, segurança, moradia, infraestrutura entre outras coisas. Porque um caranguejo? Pelo fato de andar sempre de lado dos problemas, mas nunca os ataca de frente na busca por soluções definitivas. Às vezes até surgem soluções, porém como paliativo ao problema.

    É um caranguejo, também, porque as vezes aparece algum administrador das políticas do Estado envoltos na lama da corrupção. As tomadas de decisão por parte de quem rege a coisa pública parecem ser feitas sem respeitar fatores históricos, econômico e socioambientais.

    A direita e extrema-direita, quando no poder, desenvolvem políticas no setor de segurança e de enfrentamento (guerra) com extermínio das populações mais vulneráveis socialmente, bem como a política de encarceramento de amontoar corpos humanos em presídios infectos, onde no lugar de ressocializar os indivíduos o que se cria são mais bandidos que se organizam cada vez mais.

    E a esquerda, essa apesar de identificar fatores históricos relacionado as condições socioeconômicas como causadoras da criminalidade, não consegue ter uma proposta que a combata. Os verdadeiros anseios das populações estão sempre colocados de lado.

    Seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, traz, dessa vez, um filme para reflexão que abarca questões históricas, senão do nascimento, mas dos primeiros passos do que viria a ser o crime organizado em nosso país, como esse começou a crescer nas cadeias, no caso do filme, no presídio de Ilha Grande, no Rio de Janeiro, e que dali serviu de modelo para outras organizações Brasil afora.

    Hoje os noticiários de TVs e as reportagens da área policial corroboram para demonstrar que já não existe lugar nesse país sem uma, ou até várias, organização criminosas, deixando a população que vive na insegurança no sofrimento.

    Esse longa metragem foi lançado em 2010, dirigido por Caco Souza, retratando a ascensão do Comando Vermelho, facção carioca fundada na década de 70. Baseado no livro autobiográfico de William da Silva Lima, um dos fundadores da organização, o filme acompanha sua trajetória desde o presídio da Ilha Grande até a liderança do grupo. Através de flashbacks, a produção explora as motivações e os desafios enfrentados por William e seus comparsas, contextualizando o surgimento do crime organizado no Brasil em meio à repressão da ditadura militar.

    O filme serve como um ponto de partida para se entender a complexa teia da evolução do crime organizado, que se diversificou e se fortaleceu ao longo das décadas. Fatores como pobreza, desigualdade social, encarceramento em massa e corrupção são apontados como terreno fértil para o desenvolvimento de grupos criminosos. A fragilidade do sistema prisional, a falta de oportunidades para ex-presidiários e a ineficiência das políticas públicas contribuem para a perpetuação do ciclo de violência.

    “400 Contra 1″, filme que vai além da mera narrativa policial, convidando o público a refletir sobre as raízes sociais do crime e os desafios na busca por soluções eficazes, levantando questionamentos sobre o papel do Estado no combate à criminalidade e a necessidade de medidas que ataquem as causas estruturais do problema.

    A obra também convida a pensar sobre a figura do bandido, reconhecendo a complexidade de suas motivações e trajetórias. Mais do que um filme de ação, “400 Contra 1” é um convite à reflexão crítica sobre um tema crucial para a sociedade brasileira. A produção oferece subsídios para entendermos a gênese do crime organizado e os desafios na construção de um futuro mais justo e seguro para todos.

    Ao término do filme ficam os questionamentos: por que que no exato momento onde o crime organizado começa a ganhar corpo, nada foi feito para extingui-lo? Por que foi permitido que fosse ganhando mais corpo ao longo dos anos? Será que não havia informações a respeito? Ou será que nosso “Estado caranguejo” preferiu acompanhar tudo andando de lado, à espera que um milagre tudo resolvesse?

    Essas são apenas divagações minhas, assista o filme e tire suas conclusões.


  • Madame Satã: um retrato atemporal da exclusão e do preconceito

    Oi! tudo bem com você? Daqui, espero que sim! Esse seu degustador de filmes, séries e tudo mais que o audiovisual produz, vem mais uma vez refletir um pouco com você sobre um filme. Dessa vez com um tema atual e urgente: o que podemos, devemos e temos o direito de fazer com nossas vidas, nossos corpos, nossa sexualidade.

    Em uma sociedade moldada numa moral religiosa e carregada de hipocrisia, como a nossa, essas que deveriam ser simples sentenças de um anunciado, acaba ganhando o debate público de interdições, mortes e todos os tipos possíveis de violências, nesse Brasil do século XXI. Apesar de alguns avanços e conquistas para pessoas da comunidade LGBTQIAPN+, essas continuam sofrendo todo tipo de discriminação e preconceito. Somos um dos países do mundo onde mais se mata pessoas LGBTQIAPN+, bem como mulheres, negros e pobres, sem piedade. Essa situação é quase que uma política de estado, basta olharmos as manchetes dos grandes jornais que vemos como essas populações são tratadas pelo aparato de segurança do estado. Estar dentro de uma dessas categorias de seres humanos e viver em periferia torna a pessoa um alvo, e, na maioria das vezes, sentenciado a morte.

    O filme que as próximas linhas vão tratar junta alguns desses mundos, o protagonista é pobre, negro e homossexual. Madame Satã é seu nome.

    Em Madame Satã vemos o preconceito tomando suas formas contra uma personagem real do Rio de Janeiro que não aceitou ser tratado de forma menor do que merecia, que não aceitava os olhares atravessados dos hipócritas, rebelando-se com sua arte, com seu corpo, com sua forma de amar, para colocar seu nome na história das lutas por viver e ser quem é, do jeito que se quer ser.

    Esse texto não aprofundará essas questões, pois não dará conta, nem por baixo, do grande debate que devemos fazer para superar, de uma vez por todas, os preconceitos. Minha intenção é fazer você assistir os filmes e as sérias que venho trabalhando aqui, e, inteligente com és, tire suas próprias conclusões.

    O filme “Madame Satã”, dirigido por Karim Aïnouz, em 2002, narra um breve período da vida de João Francisco dos Santos, o travesti e capoeirista que se tornou um ícone da cultura popular carioca na década de 1930. Através de uma narrativa fragmentada e sensorial, o longa-metragem mergulha na atmosfera da Lapa boêmia, retratando com maestria a exclusão e o preconceito que permeavam a sociedade da época.

    Embora ambientado em um passado distante, “Madame Satã” levanta questões que ainda hoje ressoam na sociedade brasileira. A marginalização das minorias sociais, a violência contra pessoas LGBTQIAPN+ e a invisibilidade da cultura afro-brasileira são temas que continuam a exigir reflexão e ação.

    A exclusão e o preconceito na época do filme, o que denominamos de homofobia, era extremamente visível. A homossexualidade era considerada um crime no Brasil até 1986. As pessoas homossexuais sofriam constantes perseguições e viviam à margem da sociedade.

    Da mesma forma, a segregação racial era uma realidade no Brasil da época que o filme relata. Negros e negras relegados a papeis subalternos e sofrem com a discriminação em todos os aspectos da vida, isso ocorre no período histórico que o filme relata e segue com algumas proporções nos dias atuais. Em pleno século XXI, o preconceito de cor, de sexualidade e a marginalização social devido a pobreza, continuam existindo.

    O filme “Madame Satã” contribui para a reflexão sobre a história da exclusão e do preconceito no Brasil, celebrando a resistência e a força da comunidade LGBTQIAPN+. É um filme necessário e urgente, que nos convida a repensar nossas relações sociais e lutar por uma sociedade mais justa e inclusiva. Além da exclusão e do preconceito, o filme também aborda temas como: a busca por identidade, a força da comunidade, a beleza da arte e da cultura popular.

    “Madame Satã” é um filme complexo e multifacetado que merece ser assistido, refletido e replicado.

    Ah! É muito fácil de encontrar esse filme na net, é só pesquisar em seu buscador de preferência.


  • Close: Uma tocante história sobre amizade, afeto e a fragilidade da adolescência

    Oi! Tudo de boas com você? Esse degustador de filmes, series e tudo que o audiovisual produz, espera que sim!

    Esse filme é o primeiro no qual vou me valer de conhecimento acadêmico, adquirido quando estava cursando o PROFHISTÓRIA/UFRN, sendo mais exato, o conhecimento da disciplina de Narrativa, Imagem e a Construção do Fato Histórico, que foi brilhantemente ministrada pela Dra. Maria da Conceição Guilherme Coelho. Mas, não irei detalhar aqui o conhecimento, citei só para termos uma ideia do quanto foi emocional escrever sobre esse filme, tendo que recorrer a técnica, senão essa resenha não saía. Se você perguntou o porquê disso agora, respondo com um exemplo, em “Bebe Rena”, que escrevi carregado de emoção, foi muito mais fácil terminar o texto do que nesse, pois, chorei assistindo o filme, estou chorando nesse momento que escrevo. Minha identificação foi imediata com o enredo, guardando proporções. Lembrei de situações que passei quando na adolescência demostrava afetos por meus amigos, e nessa sociedade de hipocrisias sei que um homem não pode demonstrar afetos por homem. Entendo o cunho homofóbico que está por trás dessa situação e que merece um texto para aprofundar o tema.

    Destarte, não vou ser arrogante e ditar para você que esse filme é necessário como a gente sempre lê alguém ditando, que tais livros são necessários, tais filmes e etc. Mas, ao chegar no final dessa parca escrita, se ainda não assistiu “Close”, procure assistir e faça um favor a si e aos que lhe rodeiam, ame a si e ao próximo, respeite e se livre da ignorância homoafetiva e qualquer outra forma preconceituosa, porque essas matam e matam muito.

    “Close”, dirigido por Lukas Dhont, explora, com sensibilidade e maestria, a complexa relação entre dois amigos adolescentes, Léo e Remi, em um momento crucial de suas vidas. O filme captura a intensidade da amizade masculina, a descoberta da identidade e os perigos da pressão social, tudo isso ambientado no contexto escolar.

    O filme acompanha de perto a jornada dos dois amigos enquanto eles lidam com a dor, a culpa, o medo e um deles vai tentar entender os eventos que levaram a uma tragédia ocorrida na trama. Calma, não irei relatar a tragédia para não dar spoiler.

    Um dos pontos fortes de “Close” é a forma como retrata a amizade masculina na adolescência. Léo e Remi são amigos inseparáveis, compartilhando tudo um com o outro. Sua amizade é intensa, física e afetiva, desafiando as normas sociais tradicionais de masculinidade. Explora com delicadeza a descoberta da identidade e as inseguranças que acompanham esse processo. Léo e Remi estão em um momento de suas vidas em que estão começando a se questionar sobre quem são e qual é o seu lugar no mundo. Essa busca por identidade se torna ainda mais complexa diante da pressão social e dos estereótipos de gênero.

    “Close” também aborda o tema do bullying e do impacto devastador que a fofoca pode ter na vida de um adolescente. Um boato maldoso sobre Léo e Remi se espalha pela escola, colocando em risco a amizade dos dois e levando a consequências trágicas. O filme nos convida à reflexão sobre a importância da amizade, da comunicação e da empatia. Nos faz pensar sobre como nossas palavras e ações podem afetar os outros, especialmente os mais jovens e vulneráveis.

    Dhont constrói sua narrativa de forma tensa e envolvente, explorando as consequências devastadoras de um boato maldoso e a fragilidade da nossa mente que pode adoecer devido a maldade alheia. A adolescência é retratada com sensibilidade, enquanto o desfecho trágico serve como um alerta para os perigos da homofobia e da falta de empatia.

    Este é um filme imperdível para quem busca uma história tocante e reflexiva sobre a amizade, o afeto e os desafios da adolescência, que vai te emocionar e te fazer pensar, espero eu.


  • Ilha das Flores: um retrato pungente da fome na sociedade de consumo

    E aí, tudo tranquilo com você? Espero sinceramente que sim. Como vocês sabem, sou um degustador de filmes e séries, na verdade, de tudo que o audiovisual produz. Deixei claro no último texto que não curto apenas filmes de terror, por achar o gênero sem graça, mas irei sim, a pedido do meu amigo Ionaldo (Naldo), escrever depois sobre um filme de terror que dei valor.

    Pense um pouco, você é capaz de lembrar de todos os filmes e séries que já assistiu? Se sim, você lembra quais? Quem estava na tua companhia? Porque eu, além de lembrar de todos, ainda sei com quem estava quando assisti cada um. O primeiro que assisti foi “Atrapalhando a Suate”, filme de 1983, do quarteto Os Trapalhões, composto por: Didi, Dedé, Mussum e Zacarias, exibido no cine Panorama, no bairro das Rocas, cinema que alguns anos depois passou a exibir só filmes pornôs, em seguida virou igreja. 

    Quando vi esse filme, estava com meu saudoso pai, Francisco de Assis Silva (Chimba), da minha mãe Maria do Carmo dos Santos Silva (Carminha) e da minha irmã Claudia Poliana Silva, mas sem sombra de dúvidas a pessoa com quem mais fui ao cinema, foi meu primo Edgar Fonseca (Novinho), somos, inclusive, xarás de apelido.

    Do final dos anos 80 até os anos 2000, assistimos para mais de 60 filmes nos cines Rio Grande, Nordeste, Rio Verde, além dos cinemas no Natal Shopping e Midway. Vi alguns títulos como: Amor Estranho Amor, Superman 4, Robocop e Capitão América. Poderia colocar título por título, porém deixaria a resenha enfadonha.

    Apesar das plataformas de streaming, que sou usuário assíduo, não dispenso ir ao cinema, pois para para mim é um ritual assistir um filme na grande telona, acompanhando de uma pipoca quentinha.

    O curta-metragem que vou abordar nas próximas linhas traz um tema forte, que precisa ser enfrentado com responsabilidade social por toda sociedade para ser vencido. Esse tema é a fome, flagelo que quem passa por ele perde um pouco da própria humanidade. 

    O curta-metragem é: Ilha das Flores, dirigido por Jorge Furtado em 1989. Esse curta traça um panorama inquietante da fome em meio à abundância, tecendo uma crítica mordaz à sociedade de consumo. A narrativa acompanha o tomate desde sua colheita em uma próspera plantação, simbolizando a capacidade da terra de prover alimento para todos. No entanto, o tomate logo se vê em meio a uma cadeia de exploração e desperdício. Transportado para um supermercado, ele é exposto como um produto comercial, sujeito às leis de mercado e à obsolescência programada. Imperfeito e fora dos padrões estéticos artificiais impostos pelo sistema, o tomate é descartado, mesmo que ainda comestível.

    Sua trajetória o leva ao aterro sanitário da Ilha das Flores, um microcosmo das disparidades sociais. Lá, o tomate se torna alimento para porcos, enquanto crianças em situação de pobreza disputam restos de comida imprópria para o consumo animal. Essa cena brutal expõe a realidade cruel da fome no mundo, mesmo em um país como o Brasil, grande produtor de alimentos.

    Ilha das Flores não se limita a mostrar a fome como um problema individual, mas a desvenda como um sintoma da disfunção sistêmica. A lógica do lucro a qualquer custo, a valorização da estética em detrimento da nutrição e a concentração de renda nas mãos de poucos são alguns dos elementos que contribuem para a perpetuação da fome, mesmo em um mundo que produz comida suficiente para alimentar toda a população.

    O filme se destaca pela sua linguagem simples e direta, utilizando recursos como a ironia e o humor constrangedor para despertar a reflexão crítica do espectador. A trilha sonora minimalista e a narração em tom documental contribuem para a construção de uma atmosfera densa e impactante.

    Ilha das Flores é um convite à reflexão sobre os paradoxos da sociedade de consumo. Mais do que um curta-metragem, é um manifesto contra a fome e o desperdício, um lembrete de que a comida é um direito humano fundamental e que a erradicação da fome é uma responsabilidade coletiva.

    Para além da crítica social, o filme também oferece algumas pistas para a construção de um futuro mais justo e sustentável como: 

    • Combate ao desperdício: reduzir o desperdício de alimentos em todas as etapas da cadeia alimentar, desde a produção até o consumo, é fundamental para garantir o acesso universal à comida.
    • Agricultura familiar: fortalecer a agricultura familiar e campesina que produz alimentos frescos e nutritivos com menor impacto ambiental é crucial para a construção de um sistema alimentar mais justo e sustentável.
    • Políticas públicas: implementar políticas públicas que garantam o acesso à terra, crédito e assistência técnica para os pequenos agricultores, além de programas de distribuição de alimentos para as populações mais vulneráveis, são medidas essenciais para combater a fome.
    • Consciência do consumidor: o consumo consciente, que valoriza produtos locais, frescos e produzidos de forma sustentável é fundamental para pressionar as empresas por práticas mais justas e ambientalmente corretas.

    Ilha das Flores é um filme necessário e atemporal, que nos convida a repensar nossa relação com a comida e nosso papel na construção de um mundo mais justo e sustentável.

    Vale ressaltar que o curta-metragem é de fácil acesso online, o que permite que seja utilizado como ferramenta educativa em escolas, universidades e comunidades. Através da exibição e debate do filme, podemos promover a conscientização sobre a problemática da fome e mobilizar ações para a construção de um futuro com mais justiça alimentar.


  • Bebê Rena: uma jornada sombria através da solidão, abuso e superação

    Sou um degustador de filmes e séries, aliás, de quase tudo que o audiovisual produz, dos gêneros que se colocam, só não assisto filmes de terror, acho desinteressante, mas os demais estou sempre consumindo. Com as diversas plataformas de streaming o consumo aumentou, porém, deixo claro que não dispenso ir ao cinema e consumir um filme numa boa telona, na companhia de pipoca quentinha, pois vejo algo de místico no ritual de ir ao cinema. Ah! Nunca antes havia escrito sobre filmes ou séries, e olha que devo ter assistido um número bastante razoável, mas nunca fiz as contas de quantos.

    Destarte, isso mudou quando num belo domingo, desses que estou com a boca escancarada repleta de dentes, deitado em minha cama, e vejo no cardápio do streaming uma série com o nome “Baby Reindeer”, na tradução Bebê Rena. De princípio ri com esse nome, pensei, meditei, falei com minha taça de vinho: não vou assistir, deve ser uma droga com esse nome de m… 

    Mas, de maneira oposta ao que pensei, resolvi assistir, e tamanha foi a surpresa, pois fiquei vidrado na tela, ao ponto de o vinho na taça virar purgante de tão quente, e, sem perceber, sete capítulos tinham se passado e eu estava absorto pela série. Seu enredo atravessou-me, por isso resolvi escrever. Não se preocupem, deixarei aqui apenas minhas impressões e poucos spoilers, então vocês podem ou não assistir a série tirando suas próprias conclusões depois dessa leitura.

    Baby Reindeer, minissérie britânica da Netflix, mergulha em um turbilhão de emoções ao retratar a história real de Richard Gadd, interpretado por ele mesmo, que é um comediante em ascensão que se vê enredado em uma teia de obsessão, abuso e trauma. A série, com apenas sete episódios, tece uma narrativa crua e perturbadora, explorando os efeitos devastadores da solidão, do abuso sexual e do vício em drogas na mente e na alma de um indivíduo.

    Logo no início somos apresentados a Donny, um jovem talentoso e carismático, mas que luta para encontrar seu lugar no mundo. Sua solidão o torna vulnerável à atenção de Martha, uma mulher misteriosa e instável, que rapidamente se torna obcecada por ele. O relacionamento tóxico entre ambos se intensifica, levando Donny a um espiral de sofrimento e desespero. A solidão toma conta de Donny, o isolando cada vez mais do mundo exterior. Ele se torna refém da manipulação de Martha, incapaz de escapar de suas garras. 

    A série explora com maestria a fragilidade da psique humana diante da solidão, demonstrando como ela pode abrir portas para relacionamentos abusivos e comportamentos destrutivos.

    O abuso sexual e o vício em drogas se configuram como mecanismos de fuga para Donny, que busca, em vão, aliviar a dor e o vazio que o consomem. A série retrata com brutal honestidade os efeitos devastadores desses traumas, não apenas no corpo, mas também na mente e no espírito.

    Baby Reindeer não se limita a mostrar o lado sombrio da história, a série também oferece um vislumbre de esperança e redenção. Através da força interior e do apoio de amigos e familiares, Donny encontra forças para enfrentar seus traumas e reconstruir sua vida.

    Após maratonar a minissérie posso dizer que a mesma serve como um alerta poderoso sobre os perigos da solidão, do abuso sexual e do vício em drogas. É um lembrete de que a saúde mental deve ser valorizada e protegida e que a busca por ajuda nunca é vergonhosa.

    Com atuações excepcionais, uma trilha sonora envolvente e uma direção impecável, Baby Reindeer é uma obra de arte perturbadora, mas necessária. É uma série que te prende do início ao fim, te faz refletir e te convida a confrontar os fantasmas que assombram a alma humana.

    Nessas poucas linhas, é impossível capturar a complexidade e a profundidade de Baby Reindeer. Mas espero que esta resenha sirva como um convite para explorar essa obra poderosa e comovente, que te fará questionar os limites da resiliência humana.

    Claudio Wagner é professor, cientista da religião, historiador e poeta, autor do Livro Entre a Sombra da Razão e Razão da Sombra, CJA-2016.


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